即将于5月24日开幕的“艺术西湖·国际水墨博览会”是国内首个专业水墨艺术博览会，艺术家来支钢此次展览将展出其巨幅山水代表作，也将展出艺术家2017年-2018年新创作精品。传承与创新，是来支钢积墨的首个特点，他将积墨单独作为一个课题进行研究，善于学习与总结前人优点，不仅注重李可染的到大自然里“师造化”的写生，还尤为注重师古人的技法精髓，因此，他的积墨是技法与艺术的浑然一体。


来支钢，号云禅，当代中国知名积墨山水艺术家。中国美术家协会会员。1963年生于中国安徽，2001年进入中央美术学院国画系进修，2002年考入中央美术学院“贾又福工作室”硕士研究生班，2005年进北京画院“李小可艺术工作室”研修。曾获中国美术“金彩奖”。现为当代积墨山水画研究会会长。现居北京、深圳；旅居创作于、日本等地。

孙美兰，1931年出生，别名京兰，湖北武汉人，擅长美术评论。1953年毕业于中央美术学院绘画系，同年留校攻读造型艺术理论研究生，曾为中央美术学院美术史系教授。论文有《李可染和他的山水艺术》、《徐悲鸿艺术思想研究》、《四川油画美好启示》等。


孙美兰：是什么触发你传承“积墨山水”的灵感？开拓的要点是什么？

来支钢：最初我在贾又福研究生班里临摹龚贤的积墨时，我就发现了积墨的奥妙无穷。在接下来的学习中我逐渐发现龚贤的不足，具体体现在山石单一，缺少结构性，但他的优点在于积墨有厚度、深度与“浑融感”。我发现，虽然我从小有很扎实的的传统绘画功夫，但在临摹龚贤时仍然感觉费力，那时我就感到积墨的难度非一般人能够掌握，积墨的“浑融感”是超视觉的，有更高的艺术境界，难以言喻的、精微的事物不但能够通过积墨表达出来，还能焕发新意，真正体现出了我们前辈的对自然与人文的一种高度认知。由此，我发现，通过积墨，能弥补中国绘画的不足。正是因为它的难度与高度，激起了我的好奇心与兴趣，我不爱绕道走，喜欢挑战有难度的东西。


开拓的要点：
我在积墨探索之路上有了三个层级的心得，即：物象画得很像，仅仅是解决了造型的问题，它尚未触及水墨的灵魂——只是用毛笔、中国的材料画出物象的造型，这属于初级技法；中级阶段即在造型的基础上，笔墨能独立成语言，并超越造型，那是画家的智慧所在，属于物象之外的层次；高级的阶段则是能将笔墨做到“浑融”，墨与形达到“无起痕之迹”。我认为，积墨最能表现出中国山水画的时代感与块面感（体积感、量感），浑融大气，在积墨的探索与学习中，我一直都在思考如何表达出时代精神与民族魂。我认为积墨就是一把尺，测量着中国时代的深度与厚度，积墨的伟大如同大汉民族魂，博大、厚重、深邃。


孙美兰：研究黄宾虹、李可染二师“积墨法”，痛下苦功事例、过程。

来支钢：在学习李可染的过程中，正如他本人所说，初级阶段时人进不去——画面容易“板”与“脏”，我深有体悟，在积墨的过程中，随着墨的积多，画面很容易打结、“死”掉。为了过这一关，我所下的功夫最多，毫无捷径可走。

在我对黄宾虹的研究中，尤其欣赏他的笔墨——干裂秋风、润含春雨，苍中见润，黄宾虹非常善于在绘画的矛盾中找到统一，笔墨难度很高。我在学习的过程中体会到，一般画家的“干湿浓淡”是平面的，黄宾虹的“干湿浓淡”则是交错的，可谓“浑融”、立体，黄宾虹对线的质量要求很高，几十年没有停止过对其的探究，甚至他的书法都是为了线条而服务。就同中国武术一样，既要有拳，又要有功夫。笔墨与功夫一样是看不见的东西，里面融入了画家的苦功与智慧，所以黄宾虹的画就算是单看笔墨、线条都很美，“干湿浓淡”之间，节奏感与音乐感入木三分，与李可染一样，含烟带雨，笔墨超过造型之外。当代出现了“黄宾虹热”，但是事实上，现代人很少懂得他真正的好。我将黄宾虹的优点吸收进我的创作中，一直在笔墨上苦下功夫。古时先贤曾经将墨分五色，但如今我经过大量的学习与总结，发现了墨无极，如同宇宙的奥妙。


孙美兰：近年写生具体情况如何？李可染说，“李派山水从写生提升创作需要突破，是个很大难关”你怎么看？

来支钢：李师的这句话我深有体会，但常常被后来人误读，为何说是误读呢？
李可染的时代处在大家墨守成规、闭门造车的时期，很少有人去大自然写生，因而作品没有创造性，李可染一语惊破梦中人，宣扬艺术家走进大自然。而现在的人则走进了另一个误区，背着相机去大自然写生，认为只需拍下自然风光的照片，然后照葫芦画瓢似的临摹照片是不对的，把写生作品放大就是创作，这样太简单了，这是绝对背离了东方艺术精神的。因为这样的方式无法让人掌握到大自然的精神，真正的写生，是亲自在大自然中去寻找艺术的规律，这种亲临感、现场感非常重要，只有身临其境，创作才有灵魂。石涛曾说，“搜尽奇峰打草稿”。我在写生的过程中，感受到胸中有万壑，把所有眼见之物打烂揉碎，变成元素与规律，再用博大的胸怀去容纳它们。李可染曾讲过一句很经典的话，“你在大自然中发现的规律的多与少，决定了你的成绩大小。”另外，人的肉眼与心灵所见、所感受到的的美，其实并非是相机能够体现的，所以在我看来，我以写生来表达这种最真实的美，这种美是超越时空的。


我每一年几乎有一半时间在全国各地写生，写生是我的直接创作源泉。我认为，从写生提升创作的突破，最主要的是主观创作所能达到的高度问题，这也是中国山水画现在的难题，单是写生，在写生里创作，仍然是被大自然所奴役，是创作不出高度的，画家一定需要有主观的再创作在里面，才具备人文精华，如果写生仅仅是停留在物象本身，没有升格为精神层面的东西时，那么画家的艺术格局则很小。我通过长年累月的写生，最直接的感受便是自己对大自然的一草一木非常熟悉，信手拈来，而在真正的创作时，我并不参照写生稿，因为它反而会约束你的创作。写生对于我来说是一种“临在体验与创作练习”，近几年我通过写生创作出很多新的作品，都是因为大自然给了我无尽的启发。


孙美兰：画白云、黑石的想法和体会。

来支钢：以积墨法表现云对于我来讲，就像是一个人已经练就了十八般武艺，最终是为了做什么呢，所以我找到了一个中国绘画中的空白——云。这是一个古人通常回避的东西，古人常常直接以大块面的留白将云置之。我通过经年不断对云的观察与练习，一直追求着如何将云画出“体积感”，所以，非积墨不能展现出其美妙，同样，通过云，最能体现出积墨的高妙。云的妩媚是飘渺无定、千变万化的，云的结构、层次、云与云之间的关系、动势，不同云之间的特点都需要把握——例如，水面如雾气轻盈薄凉的云、从瀑布砸下来水雾状的云、两山峡壑间的云、漂浮在山腰的云、顶峰的云、天边的云、游走时触碰到山继而绕山而去的云......不同的云有着微妙的区别、不同的感觉，不同的灰度，用笔根的浓淡层次找到了烟云的层次，掌握了一种笔墨与大自然相契的语言，通过对云的学习，我弥补了古人与今人的空缺。
在山石的探索中，我发现结构与笔墨的关系确实存在，国画中笔墨的神奇也超出了我的想象。我发现在笔墨功夫达到一定程度时，确实是“越黑越亮”。对于我来讲，笔墨的探索是没有尽头的，日常每天我都在一小步一小步地走，一个一个问题地解决，我体会到在山石的结构与笔墨的结合中，真的有一条路能走出来。我认为，最好的笔墨是隐在形里的，它不仅为形服务，还能独立成艺术。笔墨是画家主观的创造，是再造一种真实，再造一种美。通过对它的探索与掌握中，我体会到中国的笔墨非但表现力不弱，反而比西方油画的表现力还真实，这里的“真实”是指它比自然更加真实，因为它表现的是一种“心灵事实”。我认为，我们这一代人有这般使命去做这样的研究与推进。


孙美兰：如何深入欣赏《艺·道》这一幅作品？

来支钢：《艺·道》这幅画是我10年前的作品，这幅画可欣赏之处首先在它的变化——结构的变化、笔墨的变化。比方说，一笔下去，笔变、墨变、结构变，变化一气呵成。指甲大的一块石头，都在画中别处找不到任何一丝雷同处，方寸之间，变化无穷。这幅画是从宋人的山石结构所演变出的，里面有李唐、范宽的影子，甚至可以将这幅画当做一本教科书，它有汉唐的大气，有今人的磅礴，有宋人的结构，有黄、李二人的积墨精华。作品中所有的山石变化都是从大自然里来，但是又在大自然里了无痕迹，这和我的艺术追求一致，因为我不追求某一山一水，我追求的是“美”的共同理念，我将我所见所得的自然奇美融进画中，当画家真正掌握到绘画与自然的规律时，就怎么画都不会错。这幅画我画了八个月，其中五个月是在调整，可以说是“搜尽所有精华，集《艺·道》一身”，将笔墨与自然融为一体。在我的艺术理念中，我歌颂自然、世界、宇宙与道本身，与中国道教思想有所共鸣，道法自然，且法无痕迹。