在探讨这个问题之前，我们首先需要明确“艺术”这个概念。从字面上理解，艺术是指那些通过视觉、听觉或其他感官来表达思想和情感的活动。在更深层次上，艺术不仅仅是一种表达方式，它还是人类文化中最重要的一部分。它反映了我们对世界的看法、我们的价值观以及我们内心深处的情感。

关于艺术定义，有五种不同的说法：形式主义、表现主义、功能主义、新媒体理论和批评性理论。这五种说法代表了不同时代和不同文化对于艺术本质的理解。

形式主义强调作品本身的美学特征，无论这些特征是否具有某种社会意义。形式主义者认为，最好的艺术作品是那些能够独立于其创作背景之外被欣赏和解释的。这一观点在19世纪末至20世纪初特别流行，以克里斯蒂安·罗伯特（Christian Robert）等人的工作为例，他们追求的是一种抽象而无需具体解释的美学体验。

表现主义则与此相反，它强调作品应当直接地传达作者的情感或思想，而不必考虑审美上的约束。表现主义者认为，一个真正伟大的画作应该能够引起公众的情绪反应，这一点超越了简单审美上的享受。此类理念体现在如毕加索（Pablo Picasso）、凡高（Vincent van Gogh）这样的现代派大师身上，他们用他们独有的风格来表达自己对现实世界失望的心情，以及他们对未来希望的心态。

功能主义则更加注重文化和社会方面的问题，它要求一件作品必须满足一定社会需求才算合格。如果一个作品不能够提供教育性的信息，或是在某个领域中服务，那么它就不能被认为是一个真正有效率的艺术品。这一观点常见于公共雕塑或者公共建筑设计中，因为它们旨在提升城市环境并影响公众心理状态。

新媒体理论，则专注于技术发展如何改变人们对什么构成“好”的定义。随着数字技术不断进步，新的媒介出现，如视频游戏、互动式网页等，都有可能成为下一次革命性的媒介平台。在这种情况下，“好”的标准将取决于该媒介所能提供给用户哪些类型的人机交互体验，以及它如何帮助用户去学习新知识或者进行社交互动。

最后，还有批评性理论，这是一种哲学方法，用以分析文艺复兴时期到现代所有各类文艺运动背后的历史原因和动因，并探讨这些运动如何影响了个人身份以及整个社会结构。而这一切都围绕着核心问题——什么是“好”的定义？答案似乎永远不会固定的，因为每一次创造都是基于当时条件下的思考与实践，从而形成了一系列多样化且不断演变中的“好”。

回到最初的问题——一个作品是否需要具备一定的社会意义才能称之为艺术品？答案显然不是简单的一个确定答案，而是一个包含多个维度的问题。当我们谈论这件事情时，我们必须考虑到所有五种不同的说法，每一种都试图揭示出不同层面的真相。但最终，当我们站在面前欣赏那幅画，或是在沉默中聆听音乐的时候，我们会发现，无论那份意义是什么，只要触发了我们的共鸣，就足以让这片刻成为记忆的一部分，是非功利，但亦自有一番韵味。