杨成寅教授在《艺术规律与创造》一书中评论：“星千的画，整体感很强，全都是“有机统一”体，丰富而不庞杂，单纯而不单调，随意涂抹却不离法度，精细刻画布局，却天然去雕饰，已有进入“化境”的意向。 杨成寅教授在《艺术规律与创造》一书中评论：“纵观星千先生的画上的每一点，每一画，每一种色彩的组合，都是”气韵生动“的，都是”形神兼备“的，也都是有人的表情的，甚至可以说都是他对宇宙的奥妙与美的展现。” 祖慰（著名文学家）评论叶星千（Ye Xing-qian）在无可穷尽的具象世界之上创造抽象，是百年来抽象绘画的一次性的求索。这种探索，使得抽象的创作素材取之不竭，用之不尽，消除了以往抽象画家创作资源贫乏因而终生变化不多的遗憾。这个，也在消解往日读画者感到读抽象画似在读天书的陌生感，他们可以通过画家的标题提示，进入超距或微距的抽象视觉状态，调动自己的记忆和发挥自己的想象，创造出超越画家的新的观赏文本来。 梅墨生老师评论： 叶星千Ye Xing-Qian先生游走于东西之间,传承并传播中西文化,近年曰受瞩目。其水墨与油画作品取抽象风格,揉合中西,气象浩大而意味隽永,色调优雅而语言丰富。在其不断探索中形成了个性风貌,代表了一种时尚视觉表现潮流。才情与学识颇为不凡。 2014年1月1曰第一幅作品，题目《这不是抽象画》，艺术作品是体验一个人的心态的境界和一个人认识的生活态度，当代艺术作品它不象我们传统绘画艺术对画的解读，通称艺术“看法”，什么叫理也、氣也、趣也、或常用的词精、妙、神、逸、等等常规基本法则，有时候我们解读起来头晕，文字和画联不起来，那些理论家、评论家太不负责任。我还记得“画学心法”的论点。画画境界入情，入情是把自己感情注入，只有心心理心态那一刹那间的思维和情感，艺术家呈现的作品“符号”，才会打被读者心灵，作品才会传播给他人，达到不同而同，不凡而不异的心境，它是一种心理学的反应，灵魂的再现图与象。 艺术家的作品他呈现的艺术符号和心理思维，我们不能太相信艺术家表面的符号，艺术符号再现表面和被再现的艺术有可能完全不是一码事，是另一种心灵产物，它会把你带引另一个思维心灵空间.... 当代艺术“抽象”很多同学和朋友说：看不懂。其实没有什么懂而不懂的说法，我和大家一样在一些作品面前也一样的问我自己。但我会尽量去解读......抽象艺术我认为是直觉思维和直觉感知，象和图是你感知而产生一种心理反应，因为艺术与心理是分不开的相结合，艺术作品更是反应人的世界观和思维活动，也是艺术家对人生道路上的呈现，一种心理现象表示方式的方法，对意识、记忆、想象、情绪、社会、心理现象思想之流的意识流呈现方式的表现。 看当代作品现在不能以“原始人”的思维方式，即是看不懂，也不能马上说不知道，我们应该把看不懂的艺术作品以抽象的思维方式来解读，我们土话说＂糊思乱想＂彼此联想＂天堂＂＂地狱＂世界的万物、海底的奇景、生活的故事、影与象等等....也许会寻找感觉，就象每一个人谈恋爱一样寻找自吾感受。 《艺术家和文艺工作者的悲哀》 一个新闻记者为了追求真实性报道，他们会冒生命危险去采访，一个理论批评家和哲学家看社会问题（看艺术作品）写文章，都会带有自己的观点而论理解读看法，不是吹捧拍马屁，什么都是好，千篇一律，有时候连自己问自己，这是我写的吗？歌唱家演员都有自己想参与的共赏生活。一个艺术家画家更需要呈现自己内心心理思维，无视周围，创造自己精神境界心理符号影与象。艺术是社会历史精神文明结晶，是永远的，无量的，往往我们生活的每一天都是由金钱数字来衡量，记者为了车马费，唱歌家为出台费，理论批评家为了稿费，画家为了生存为画廊画画。这是一个社会的悲哀，也是我们艺术家文艺工作者的悲哀，这样的悲哀决不是我一个人，我们生活在这社会里只有二者兼顾，艺术家更是需要的是勇气。 我偶然看到中国国家画院高研的讲课大纲中关于中国画的一段文字：“20世纪的两大高峰黄宾虹、齐白石是超过前人的，他们很好地继承传统……”，这让我很惊讶、不解。首先，艺术的高峰按客观来说是以时代来分，细—点用年代来划分。其次，传承是很重要，但如果说艺术传承过程中没有发展，没有时代的概念，那也就谈不上当今的艺术。没有发展的传承，随着年代和时间增长，会越来越“小”，越来越“细”。一个的文明强大的民族，只能以精神文明来体现，而艺术就是精神文明的结晶。 东方与西方的两种艺术有着不同的语言，不同的审美观点和哲学体系，只有自由地无介意地自然地接受蒙养，才能建立起自己的生命之园。 2013画了一系列《的时代》(Periode couleur jeune的作品)，以“生活”为命题。也许是以前生活困顿而现在心灵重开了新的世界和空间，我以自己的真实感和个性去表现，也希望爱好艺术的朋友能像我一样在作品里感受到春天的鲜丽和自然的色彩空间。 老子云：“道生一，一生二，二生三，三生万物。” 我尽量能以画意接近一点的题目，在画这张画时，什么都没有想，空空的尽意乱画乱涂，画完了还觉得有点感觉。顺时把画发给一个朋友，叫他给此画取一个命，朋友就说即然什么都没有，就叫“一之前”吧！法文《avant un》 爱；是艺术家；唯一最重要的基因。没有天才的画家，只有悟性的实践者。 “天地与我并生，万物与我为一”，艺术家只有具备了“物我两忘”的精神和勇气，敢于与自然为一体，忘掉一切，去掉传统的影子，通过这种自然之道的思维方式和创作方式，创作出的作品才会是有生命的！ 艺术作品是形像体现，它不是一个简单的概念和哲学思想。 一位画家，他能“笔之所成”、“墨之所至”，我想他不论用什么工具，怎样用色、用墨，其创作出来的画就会有生命、有思想！ 艺术作品或者说抽象艺术，她是有着历史文化作背景的，它表达一种思想，一个理念，一个生活记忆。不管怎样去表现，你觉得美就行了，就像我们爱一个人一样，沒有家庭、社会背景和地域差异之别。 一幅艺术作品是不需要解释的，这就好比一位漂亮的少女和英俊的小伙。没有绝对好或绝对坏的作品，有的只是我们喜欢不喜欢。 油画、国画都是表达思想的工具，使好了就行，能给生活空间带来美感就好。 一个艺术家的生活，如果你想和他在一起，就先要试着学会理解他，否则是不可能在一起生活的！我还记得中国一句流行的歌词“请你离开我、离开我……”。 影与像，它们都是心灵感受的产物。 作品什么内容其实并不重要，重要的是它能给我们一个想像的空间！ 艺术作品来自于然，取之于大自然， 在表现时更要美化大自然！ 昨晚画了一张水墨画，我突然想起画谱芥子圆，也联想到“传承”这两字。“传承”一部分从书籍里来，但更重要的从农村和城市而来，但在现在的中国土地上，农村不像农村，城市不像城市，也不知道从哪儿来，到哪儿去。“传承”很重要，特别是在文化艺术领域，它是带着时代气息和时代感的文化产物，那“传承”用科学理论角度来说，会越来越“细”，而不会变得越来越“粗”、越来越越“广”。 齐白石说，画贵在“似与不似之间”。其实“似”是对平时在生活中碰到或看到过的事物的一种记忆，“不似”是回到画室自己对那种记忆的表达方式，一种影像处理后记录表像。 《没有“晚”的概念》 一个人在任何时间开始学“新”的东西，都是没有“晚”的概念。因为我们不知道自己现在能活多久。 《艺术家的精神 》 文艺的工作者、作家“落笔惊风雨”如鲁迅。 音乐作曲家贝多芬的音乐风格，有刚健、雄浑、热情、奔放，如《第九交响乐》中那种充满活力、奔流直泻的气势，处处都漾溢出来。 当代的艺术大家毕加索不断的推陈出新，在其作品的画面里无处不洋溢着生命的气息。 我们做艺术家的都应该让“悟不惊人死不休”的精神永伴。 一件好的作品，她是不需要解释的，就好比一位漂亮的少女…… 《艺术家的思想》 艺术作品本身是（意象）抽象，一个艺术家他不只有技术和手艺，他一定更有思想。 《自由表现》 一个画家，在画室时，就是画画，画画，再画画，唯有天天画画，发“疯”的画画，才能画出好的作品来。 当你在出去旅游时，玩玩，玩玩，再玩玩，只有好好玩玩，高高兴兴地忘了一切地玩，玩个“疯”，把你看到的好的“景”记忆在自己的脑海里，回到画室再把自己记忆的东西在画布、萱纸上自由地表现出来，不要想那么多，更不要思考。 《抽象画就像一个人的心》 抽象画就像一个人的心一样，是无法测量的，他是无限底的空间“espace”给予你他我自己想象。 中国国画，首先不应该再是只走传统技巧和画法的老路子，而是要新，要变，求自我，求个性。国画原来固定的形式：近、中、远。墨分五色，各种画风、画派、画法等已成俗套，已成公式化。谁说规定以内的中国画才是中国国画呢?中国国画的画种和别的画种是一样的，油画，雕塑，水粉…。随着时代的演变，审美也在变，从东方到西方，从西方到东方，你的作品(国画)能把“美”带给观众，有观众欣赏你的作品，同时被你创作来的作品所感动，或你的作品使人联想到某一段故事，某一首诗，某一段音乐，等等。那你的国画就是成功的，不管你用什么技法来表现。对于怎样求新、求变，我想每个人只要能把自己不同的生活经历，不同的文化背景，不同的感受，在作画时融入作品中，只要能把100%的感觉+100%感情来投入创作,这才能创作出属于你自己的画，这样的画才是你自己的画，是有个性的画。 《祥云》是以白色为主要色调的淡彩画。白、蓝成了主要的色彩。下笔非常独特的雕刻式的油画技巧。是成百千只蝴蝶，还是心灵的遥远回忆？这是一种美好。白色与蓝色的对比又体现了一种逻辑上的明快。浓郁的与明快的逻辑，在画里总是同时存在。在画里面，色彩是有思维的，亮度是有逻辑的。白色在的画里，似乎是遥远的时代，是纯净美好的单一，而蓝色，是一种智慧的沉淀，火红色，是一种火光样的创造。面对遥远的心灵中美好的回忆，是思索，还有冷调当中鲜明的红色点缀。 按照康定斯基抽象画构成的三元素:色彩、线条、构图。新的水墨色彩探索实验布面绘画。