在探讨艺术与美之间的关系之前，我们首先需要明确“什么叫做艺术”。这是一个充满争议和复杂性的问题，因为它涉及到文化、历史、个人感受和审美价值等多个层面。然而，通常我们可以将艺术定义为一种通过创造性表达来传达思想、情感或观点的形式，这种表达方式往往超越日常生活中的功能性，旨在唤起观众的情感共鸣和深入思考。

那么，艺术与美又是如何相关联的呢？在很多人看来，所有的艺术作品都应该是美丽的，不仅因为它们体现了创作者对形态、色彩和空间布局等方面精湛技艺，而且因为它们能够引发人们对世界之美的一种普遍回应。但这种观点忽略了另一个重要事实：不一定所有被认为是伟大的作品都是为了展现其视觉上的吸引力或风格上独特性的。

让我们从古代开始我们的旅程。在希腊罗马古典主义时期，对比例和谐以及动作语言表现力的追求，使得雕塑家们能够创造出那些至今仍然令人惊叹的人类雕像。这些作品不仅展示了技术高超，也反映了一种关于人类理想化形象的哲学信念——即所谓的人文主义精神。而且，它们也以其完善无瑕细节而闻名于世，这使得它们成为后来的绘画中“描写”（narrative）画面的直接前身。

当我们进入中世纪时期，我们看到的是一套不同的审美标准。宗教主题成了绘画领域最主要的话题，而对于光线照明效果以及用色技巧上的创新也成为了这段时期最显著特征之一。这并不是说这些作品没有审美价值，但他们更多地关注于传递神话故事或者宗教启示，而非纯粹的情感表达或者形式上的创新。

到了文艺复兴时期，这些因素开始交织起来。在那儿，一些伟大的画家如拉斐尔、米开朗基罗，他们不仅把手法进行到了极致，还展现出了强烈的人文主义倾向，他们试图捕捉自然界内人类潜能的本质。这场运动推动了西方文化中的新颖思维，并因此改变了社会结构，从而产生了一系列新的政治经济制度，最终导致资本主义体系形成。

然而，在现代化进程中，无论是在19世纪工业革命之后还是20世纪末以后，当科技迅速发展并影响着我们的生活方式的时候，有一些理论家提出了更加广泛解释“什么叫做艺术”的方法。例如，抽象表现主义者，如保罗·凯撒斯（Paul Klee）, 鲁道夫·奥伊金尼（Rudolf Oehring），他们摒弃了以往基于客观存在的事物为主题，并转向更自由自主的情绪表达，以此来揭示宇宙间更深层次相互连接之处。这一流派代表了一种新的现代意识，它打破传统概念，将视觉元素置于语义意义之外，使每位欣赏者都可以根据自己的理解去构建他所见到的东西。

现在，让我们回到最初的问题：“什么叫做艺术？”考虑到这一切，我必须承认答案可能因时代背景、个人经历以及文化差异而有很大不同。我提出这样一个定义：任何被赋予意義並帶來情感共鳴的事物，无论它是否具有装饰性或功能性，都可以被称为是一件藝術品。此定义并不意味着每件藝術品都要擁有高度視覺吸引力，但它確實指出藝術創作與觀察者的個體經驗密切相關，因此無法簡單地根據某些標準進行評判，即使這些標準曾經廣為接受過。

總結來說，“什么叫做艺术”是一个难题，没有简单答案，因为它依赖于不断变化的心理状态，以及对周围环境感觉灵敏度。不过，如果有一点似乎永恒不变，那就是人们总是寻求通过各种媒介去触摸真实世界，同时也不断扩展他们心灵的地球范围。一旦你走过这个门槛，你就无法再完全返回；你的眼睛已经习惯用一种新的方式去看待事物。你变得更加警觉，更开放，更富有同情心，你会发现自己已然成为那个你以前梦想成为的人——一个真正参与其中的人。